Por Ariane Armas
Hace 1 Hs
Un brazalete, una historia y un antiguo código: la tradición del luto que volvió a poner en escena en una alfombra roja
Está Inspirada en una pieza hecha con cabello humano reactivó la memoria de una época en la que el luto era un lenguaje social. Hoy, ese antiguo código vuelve como gesto simbólico en la moda contemporánea.
DESLUMBRANTE. La actriz australiana no tan solo conquista la pantalla grande sino también el mundo de la moda.
La temporada de premios a lo mejor del cine tuvo su broche de oro con la entrega de los Oscars. Pero en materia de moda, las alfombras rojas ya han dejado mucha tela que cortar incluso semanas atrás. Incluso, en una de ellas se volvió visible un antiguo código social.
En Londres, Margot Robbie eligió una réplica de una joya de luto asociada a la hermana de Emily Brontë en la premier de Cumbres borrascosas, que no solo completó un estilismo sino que activó una tradición en la que el dolor tenía reglas, texturas y jerarquías. Del luto obligatorio al luto estético, la moda vuelve a contar lo que antes era mandato.
La australiana lució una réplica de un brazalete de Charlotte Brontë, cuya pieza original estaba hecha con el cabello de sus hermanas Emily y Rose, quienes murieron de tuberculosis con meses de diferencia. No fue un detalle menor ni un guiño caprichoso. En una industria acostumbrada a la espectacularidad inmediata, la elección de Robbie remitió a la Inglaterra de la era Victoriana, donde el duelo se codificaba con precisión casi burocrática y la muerte no se ocultaba, sino que se vestía.
“Durante la época victoriana el luto dejó de ser solo una experiencia íntima para convertirse en un lenguaje visible. No era únicamente dolor: era un código. Era forma. Era superficie”, señala la diseñadora y docente de costura y moldería, Lourdes Quinzano. En el siglo XIX, atravesado por epidemias, guerras y alta mortalidad, la pérdida era parte del paisaje cotidiano. Así, la moda ofreció un sistema para narrarla.
El punto de inflexión llegó cuando la reina Victoria decidió vestir de negro tras la muerte del príncipe Alberto y sostener ese color durante el resto de su vida. El gesto excedió lo personal para otorgarle legitimidad institucional al duelo. El dolor adquirió silueta oficial.
Vestir luto implicaba cumplir una coreografía estricta. Existían etapas -luto riguroso, medio luto, alivio- y cada fase regulaba telas, brillos, accesorios y tiempos sociales. El negro mate indicaba pérdida reciente; el negro con leves reflejos sugería transición. “La moda organizaba el tiempo emocional. El cuerpo era un calendario”, describe Quinzano. La ropa señalaba cuánto había transcurrido y cuánto faltaba para el regreso gradual a la vida social.
Mel Martínez, asesora de imagen, subraya que el luto victoriano fue uno de los sistemas visuales más estructurados de la historia de la moda. La vestimenta no respondía a una cuestión estética sino moral. El duelo era un estado social que debía ser reconocido a simple vista para que el entorno supiera cómo interactuar. La imagen se transformó en identidad transitoria ya que comunicar la ausencia de un ser querido también implicaba comunicar un nuevo lugar en la trama social.
Recursos distintos
No obstante, ese calendario emocional no era igual para todos. Sostener un guardarropa completo de luto requería recursos. Las clases altas podían encargar piezas específicas, adquirir joyas conmemorativas y retirarse de la vida pública el tiempo estipulado. Las clases trabajadoras rara vez podían hacerlo. El dolor era universal; su puesta en escena, no. La estética del duelo funcionaba también como marcador de estatus.
HISTÓRICA. La pulsera que lució la protagonista de Cumbres Borrascosa, es la réplica de una que fue realizada con pelo humano.
En ese entramado surgieron las joyas de luto. Quinzano las define como “pequeñas arquitecturas simbólicas”. Eran imposición moral y pertenencia social al mismo tiempo. “Llevarlas era decir: amo, recuerdo, cumplo”, afirma.
No manifestar duelo podía considerarse una falta de respeto. “Era una forma pública de mostrar fidelidad hacia la persona que se había perdido”- señala Martínez y añade- “Quien usaba luto estaba comunicando que conocía los códigos sociales, que sabía cómo debía presentarse”.
Los materiales no eran casuales. El azabache, trabajado con devoción en lugares como Whitby, se impuso por su negrura profunda y acabado sobrio. El ónix aportaba un brillo oscuro controlado. El esmalte negro permitía inscripciones con fechas y nombres. “Siempre se utilizaban materiales que absorbían la luz y no la reflejaban”, explica Martínez. La sobriedad debía ser visible.
El elemento más íntimo era el cabello humano trenzado en anillos, pulseras o camafeos. “No era solo representación. Era materia compartida. El amor, literalmente, tejido”, describe Quinzano. Martínez lo confirma: “Tenía una cuestión sentimental muy fuerte, pero también funcionaba hacia el público. Era tan íntima como social. No era ni una cosa ni la otra de manera exclusiva”.
Aunque la iconografía del luto suele asociarse a lo femenino, los hombres también portaban piezas conmemorativas. “Había anillos con pelo del ser querido o relojes de bolsillo con compartimentos para mechones. El atuendo masculino era más sobrio, por eso la joya tuvo mayor expresión en el campo femenino”, explica Martínez. La diferencia estaba en la visibilidad, no en la existencia del rito.
En ese mundo reglamentado, el luto decía “pertenezco a este orden”. Indicaba que se conocían los códigos y se cumplían. Hoy el escenario es otro. Las sociedades actuales, menos normadas en términos de imagen, ritualizan la pérdida de manera distinta. Tatuajes con fechas, prendas que se conservan como reliquias personales, homenajes en redes sociales. El soporte cambia; la necesidad de materializar el recuerdo permanece.
“No considero que estemos más lejos ni más cerca. Estamos ritualizando de una forma diferente”, reflexiona Martínez. La cultura, el contexto y la época definen las formas.
Quinzano aporta una imagen contundente: “Si en el siglo XIX el luto decía ‘pertenezco a este orden’, hoy el duelo dice ‘esta fue mi historia’”. La frase resume el desplazamiento. El negro ya no impone obediencia colectiva; habilita interpretación personal.
Ahí cobra sentido la elección de Margot Robbie. La actriz no respondió a una imposición social. Escogió un símbolo cargado de historia para construir un relato. La alfombra roja dejó de ser únicamente un escaparate de tendencias para transformarse en espacio narrativo. Ya no se trata solo de “qué se puso”, sino de “qué quiso decir”.
La moda contemporánea dialoga cada vez más con archivos culturales. Referencias literarias, citas históricas, rescates patrimoniales. Un accesorio puede sumar densidad simbólica y capital cultural a una figura pública. La joya vinculada al universo de Emily Brontë no comunica luto personal; comunica intención estética, sensibilidad literaria, conciencia histórica.
En ese cruce entre pasado y presente, la moda confirma su poder simbólico. No como frivolidad sino como lenguaje. En el siglo XIX el cuerpo fue calendario. En el XXI es escenario. Y cada vez que una figura pública reactiva un código antiguo, recuerda que la ausencia busca forma. Y siempre la encuentra.
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